フィリッポ・トマソ・マリネッティは、現代において食品の準備と消費を芸術と考える最初の芸術家でした。 1909年にミラノのマリネッティと他のアーティストによって形成された前衛的な未来派運動は、自動車や飛行機から製造方法や都市計画に至るまで、産業時代とあらゆる機械的なものを受け入れました。 彼らは、みんなの日常生活の中心である料理と食事も、先見の明のある理想の中心であると考えました。
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1932年、マリネッティは未来派クックブックを出版しました。 それは単なるレシピのセットではありませんでした。 それは一種のマニフェストでした。 彼は新しい世界観の一部として食事の準備と消費をキャストしました。そこでは、娯楽が前衛的なパフォーマンスになりました。 この本は、完璧な食事に必要な要素を規定しています。 そのような食事には、独創性、調和、彫刻の形、香り、コース間の音楽、料理の組み合わせ、さまざまな風味の小さなカナッペが必要でした。 料理人は、ハイテク機器を使用して食事を準備することでした。 政治について議論することはできず、食事は銀食器を必要としないような方法で準備する必要がありました。
マリネッティの熟考は、ほぼ一世紀後に食べ物が芸術において果たす役割を予測できなかった。 現代の芸術家は、食べ物を使って、政治的（特にフェミニスト）、経済的、社会的な発言を行ってきました。 彼らはアートプロジェクトとしてレストランをオープンし、ギャラリーで食事を準備して提供するパフォーマンスを行い、チョコレートやチーズなどの食用材料から精巧な彫刻を作りました。 マリネッティにとっては恐ろしいことのように思えるかもしれませんが、今日、一部のアーティストは、誰もが未来に取りつかれているすべてのものを拒絶するものとして食べ物を受け入れています。
石器時代の洞窟の画家は野菜ジュースと動物性脂肪を塗料の結合成分として使用し、エジプト人は象形文字のタブレットに作物とパンの絵文字を刻みました。 ルネサンス時代、ウィーンのハプスブルク家の宮廷画家であり、後にプラハの王宮の画家であったジュゼッペ・アルチンボルドは、顔の特徴が果物、野菜、花で構成された気まぐれなパズルのような肖像画を描きました。
食べ物と芸術について考えるとき、直感的に北ルネサンスの美術史のクラスで最初に出会ったオランダ黄金時代の大きく美しい静物を思い出します。 これらの素晴らしい絵画では、光沢のある銀製の大皿の上にあるカモ肉のきらめく羽毛コートから果物や果実の結露した皮膚まで、それぞれの表面が注意深く観察され、ごちそうが見る人の目の前に座っているような錯覚を作り出します。 1600年代には、そのような絵画は所有者の富と知的関与を証明していました。 描かれた食べ物は、しばしば聖書のテキストに関連した象徴的な重要性を持ち、オブジェクトがどのように配置され、どのように消費されたかが、時間のつかの間の性質や禁酒の必要性についてのメッセージを伝えました。
若い芸術家として、私はセザンヌのリンゴとオレンジの分厚いレンダリングを研究しました。 セザンヌのようなポスト印象派の画家にとって、人生からの観察は、ほとんど想像力に富んだプロセスの始まりに過ぎませんでした。 彼らは、過去のハイパーリアリズムに対する鮮やかな色と活気のあるブラシストロークを重視していました。
ポップアート時代には、食べ物は社会的な比phorになりました。 ウェインティーボーは、広告や子供のおもちゃを思い起こさせる明るいパステルカラーでパイやケーキの列を描きました。 私生活の家庭的な特徴ではなく、食堂での展示のように提示された彼のアレンジメントは、豪華なデザートがアメリカの豊かさを意味する巡回社会を反映しています。
この記事は、Smithsonian Journeys Travel Quarterly Atlas of Eating Issueからの抜粋です
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購入ほぼ同時に、芸術家は本物の食べ物をアート素材として使い始めました。 1970年、スイスドイツの芸術家ディーターロスはディーターロットとしても知られ、「ステープルチーズ（レース）」というタイトルの作品を作成しました。彼らは床に向かって滴る、または「レース」するつもりで壁に。 展示会がロサンゼルスで開かれた数日後、展示会は耐え難い悪臭を放ちました。 ギャラリーはうじ虫とハエで溢れかえり、公衆衛生検査官はそれを閉鎖すると脅した。 芸術家は昆虫が実際に彼の意図された聴衆であると宣言した。
1960年代後半から1970年代初頭のフェミニストアーティストは、アメリカが女性に課した制約の観点から、アメリカの食べ物との関係を考慮しました。 フェミニストは、個人-日常生活の最もありふれた側面を含む-は政治的であると主張しました。 1972年、ミリアム・シャピロとジュディ・シカゴは、解体が予定されていたロサンゼルスの空いている17部屋の家を借りて、大規模なアートインスタレーションに変えました。 シャピロと他の女性アーティストは、ドールルームを飾るときに女の子が従うプロセスを模倣して、ダイニングルームに没入型のインスタレーションを作成しました。 彼らのプロジェクトはパフォーマンスとインスタレーションの両方であり、社会の二重の基準、つまり男女の期待と機会の格差を非難しました。 男の子は世界で成功するように訓練されていましたが、女の子は夫のために家にいることが期待されていました。 後に、エリザベス・マレーのようなフェミニストのアーティストは、女性が「キッチン絵画」（1985）のような世俗的なものと家庭的なものの両方を扱うのに十分な力があることを示唆するでしょう。画面と視聴者に立ち向かいます。
1974年、シカゴはブルックリン美術館のエリザベスA.サックラーフェミニストアートセンターに収容されていた概念的なツアーフォースである「ディナーパーティー」を始めたときに、再びダイニングルームのテーマをリフしました。 有能な職人のチームにより、シカゴは数年にわたって、先史時代から現代の女性運動まで、実に神話的な39人の文化的に有名な女性のための場所設定で48フィートの三角形の夕食テーブルを作りました。 各設定には、手作りのナプキン、セラミックプレート、ゴブレット、ランナーが含まれ、すべて特定の女性用にカスタマイズされた図像が付いています。 タイムラインが現在に収束するにつれて、プレートはますます立体的になり、女性の成長する自由と政治的力を象徴します。
1990年代には、多くのアーティストが、ホームコンピューターの導入やその他のスクリーンベースの活動から生じる個人的な疎外感に慣れました。 発生期のアノミーを改善するために、一部の人々は、「リレーショナル美学」（現在では「社会的彫刻」としてあまり知られていない）の規律を開始しました。 最も著名な開業医の1人は、ギャラリーで視聴者に料理と料理を提供し始めた展覧会の期間中、ギャラリーに鍋、フライパン、汚れた皿を置いたRirkrit Tiravanijaでした。
今日でも、芸術家たちは果物や野菜の静物画を描くことを学んでいます。 後に多くの人が絵画から離れてより新しい、より実験的なメディアを追求しますが、食品中心のアーティストはしばしばキャンバス上の顔料の力を信じ続けます。 ニューヨークを拠点とする画家のジーナ・ビーバーズ、ウォルター・ロビンソン、ジェニファー・コーツが良い例です。 ビーバーは食べ物の写真のためにインターネットを調べ、それを組み合わせて複数の画像のコラージュや大きなキャンバスの絵にします。 ロビンソンは、ウイスキー、チーズバーガー、および他の憧れのオブジェクトに夢中です。 コーツはジャンクフードに焦点を当て、スモア、マックアンドチーズ、ピザが抽象的な形をとる絵画を作ります。 全体的に、現代の食の芸術には、伝統と偶像破壊の間に健全な緊張があります。 出版後約85年、マリネッティの料理本はまだ先を行っているように見えますが、おそらくそれほど先ではありません。
