ロバート・アーウィンを本当に体験するには、彼の作品を直接見る必要があります。スミソニアンスミソニアン - 記事、芸術、文化、芸術、芸術家、スミソニアン、展示会、旅行、ワシントンDC

スミソニアンのハーシュホーン博物館とワシントンDCの彫刻庭園で行われた新しいロバートアーウィンの調査は、一種の姿を消した行為です。

影響力のあるキャリアを通じて、カリフォルニアのアーティストは芸術界のあらゆる慣習を損なう方法を見つけようとしました。最初に、彼は抽象絵画の周りの壁の必要性を、意図的に「手持ち」にし、鑑賞者によって扱われているので賞賛され、検査されるようにすることで排除しました。その後、彼は彼に初期の注目を集めていた抽象的な表現主義のスラッシュを排除し、コンテンツをキャンバス上のクールで厳格なラインに減らしました。

それから、キャンバス自体の除去が来ました。 1970年に完全にスタジオを捨てる直前に、彼は、オブジェクトの始まりや終わりがわからないように、影との相互作用がエッジをぼかすように見えるアルミニウムまたはプラスチックのクールなディスクに集中し始めました。そして最後に、しばらくの間、彼は自分の作品を写真に収めることさえも拒否しました。

そして、「ロバートアーウィン：すべてのルールが変わる」、2016年9月5日までの約40年間でカリフォルニア州外のアーティストを対象にした米国の最初の博物館調査は、彼の洗練された無題のディスク、独自のスペースを指揮し、点滅しないスポットライトの中で定位置にホバリングします。

Gordon Bunshaftが設計したHirshhornの円形のギャラリーは、Irwinの作品に最適です。人は終わるところからさほど遠くないところから始まるしかし、87歳で非常に活発なアーウィンは、最新の大規模なインスタレーションのためのスペースでも遊んでいます。カーブした新鮮な壁の長い広がりの反対側（白ではなく、灰色に焼き戻した灰色）に、彼は100フィート以上の真っ白なスクリムの床から天井までの目を引くストレッチの1つを取り付けました。

ロバート・アーウィン（2012フィリップ・ショルツ・リッターマン）

インスタレーションの最もすぐに識別される側面は、内部ホールへの輪郭を描かれた出入り口を囲む長方形の光です。特別な照明？いいえ、中庭の窓から差し込む光のおかげです。

Square the Circleというタイトルの作品でさらに重要なのは、建物のまさにその構造が曲がりくねっており、その隠された丸い角がスクリムを通してほとんど識別できないようになることです。それはまるで雲を通り抜け、まるで近くのディスクの端のように、エーテルに溶けているように見えます。

彼のキャリアでペイント、キャンバス、さらにはオブジェクトを排除した後、アーウィンは同様に博物館の側面を排除することに成功しています。

しかし、3年前にハーシュホーンのインスタレーションに関する彼の最初の計画が提出された完全な排除行為は、バンシャフトの有名な建物の土台にある博物館の広場の屋外スクリムのシリーズが廃止されたときに起こりました。

DCの予測不可能な天候にさらされるため、スミソニアンの施設エンジニアリングおよび運用オフィスの建築家および構造エンジニアとメリーランド大学のグレンL.マーティンのスタッフが関与する1年間の実現可能性調査の要求を満たしませんでした。風洞、および近くの国立航空宇宙博物館の空力専門家。

「最終的には、すべての要件を満たす設計は達成できず、アーウィンの屋外設置の計画は放棄されました」とショーキュレーターのエブリン・ハンキンスは言います。

その後のインドアスクエアザサークルは、1958年から1970年までの調査の集中を40年以上も前に跳躍します。しかし、それは長年のアーティストの現代的な表現を提供する唯一のものではありません。

ロバート・アーウィンのスタジオ、1970（1970年スティーブ・カーン/アートワーク2016ロバート・アーウィン/アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク）

彼の2つのほぼ16フィートの高さの透明なアクリル製の柱は、展示スペースに差し込む別の窓を利用しており、1969年から2011年までの数十年にわたる異常な完成日を持っています。

これは、この作品が前世紀に考案されたことを意味しますが、その背の高いアクリル製の柱をうまく製造する技術が存在したのはごく最近のことです。ハーシュホーン所有のアーウィンコラム（ショーにはありません）は高さ12フィートですが、6フィートの長さを2つ重ねて作られています。縫い目は、それ自体に注意を喚起するのではなく、背の高いギャラリーが現在行っている専用のギャラリーに光を広げて屈折させることを意図した作品から損なわれました。

アーウィンが展示デザインのあらゆる側面に厳密に関与していることを考えると、現代のインスタレーションの2番目の例として、「すべてのルールが変わる」という厳格なレイアウトを考えるかもしれません。

1962年の初期ラインペインティングに取り組んでいるスタジオのロバートアーウィン（マーヴィンシルバー/提供：マーヴィンシルバーおよびクレイグクルルギャラリー）

一般に時系列の概観の多くのギャラリーでは、より大きな初期の抽象画がギャラリーに2つ、一方がもう一方に向かいます。そこに「ピックアップスティックペインティング」という名前が付けられた一連のスラッシュを使用した作品を見ると、徐々に数本の水平線のより冷静に構成されたアブストラクトに進化します。

ラインペインティングは時間が経つにつれてより微妙になり、最初の対照的な色は、アドラインハルトに値する光学的エクササイズで、ほぼ同一の背景フィールドに対するコントラストを知覚しにくくします。

次に、 ドットペイントの場合、線が完全に消えます（実際、最初にドットペイントから視聴者を安全な距離に保つ床の境界線は、地面に完全に滑り込んだアーウィン線のように見えます）。

最初はほとんど知覚できない、雲のような色調のバリエーションのように見えますが、絵画はその名前に忠実です。私たちは展示カタログのスーザン湖のエッセイから学びます。それらは何千もの小さな点の代わりに作られ、多くの場合補色が異なり、均一に投与されますが不規則な形状であり、塗料で浸されたレジのマットの下のスパイクによって適用されます。

変化した色のガージーな雲は、彼の今後のディスク作品に向かっているだけでなく、その形も同様です。キャンバスは壁から突き出て、まるで中に出会うように見えるように視聴者に向かって凸状に湾曲します。

最終的なディスクは、まもなく完全に異なる宇宙時代の素材を使用して、同様の体験を提供します。