身長11フィートの高さは、実際にはタワーであり、視聴者の上にあります。 ビーズの安全ピンで作られた赤、緑、青、オレンジのバスケットで吊るされたピラミッド型のフレームから色の暴動が噴出します。 それらの下には、黒とフクシアのボディースーツで顔からつま先まで覆われた顔のないマネキンが立っています。
最上部にあるピエ・ド・レシタンス：綿菓子のピンクでアクセントを付けた張り子のバニー、漫画の目、漠然とした、やや不安な笑顔。 バニーは卵を持っており、「Happy Easter」というメッセージが刻まれています。
アーティストのニック・ケイブの作品に精通している人は、この2009年の作品を彼の代表的な「サウンドスーツ」の1つとしてすぐに認識し、そこには発見されたオブジェクトから作られた数十年にわたる大規模なウェアラブル彫刻の物語があります。
ハーシュホーン博物館で現在展示されているこの作品は、訪問者の間で永遠に愛用されています。 「それは楽しくて、ユーモラスで、最高です。人々が共感できるものです」とキュレーターのエブリン・ハンキンスは言います。 「しかし、ケイブの作品でとても面白いのは、これらのサウンドスーツが着用されることを意図していることだと思います。 彼らはパフォーマンスに優れています。」
ミズーリ州出身のケイブは現在、シカゴ美術学校のファッション学科の学長を務めており、若い頃から美術とダンスの両方を学びました。 彼は1989年にミシガン州のクランブルックアカデミーオブアートからMFAを取得しましたが、ニューヨークで時間を過ごし、アルビンエイリーアメリカンダンスシアターで学びました。
1991年にロドニー・キングが暴行を起こした後、ケイブはある日、公園でアフリカ系アメリカ人男性として「捨てられて捨てられた」と感じました。 彼は身をかがめ、小枝を地面から持ち上げ、次に別の小枝を選び、外の世界から自分のアイデンティティを保護するための努力として説明したものでそれらを結び付けました。
動きのアイデアが彼にもたらされたのは、形が形になり始めるまででした。 「実際に彫刻を作りました」と彼は言います。 「そして、私はそれを着ることができること、そしてそれを着ることと動きを通して音があることを悟りました。 それで、それは私があなたがもっと大声で話さなければならなかったと聞くために[どのように]について考えるようになり、抗議の役割が働き始めました。 これが、Soundsuitsの進化の仕方です。」
それ以来、Caveは目を見張るような素材とシルエットで500を超える評価の高いSoundsuitsを制作してきました。 これらの作品は、2013年にグランドセントラルターミナルで開催されたHeardŸNYを含む、いくつかのパブリックパフォーマンスをもたらしました。
Soundsuitsは数十年にわたって進化してきましたが、その基本的な考え方は変わっていません。 すべては、検出または破棄されたオブジェクトから構築されます。 人種、性別、階級のすべての指標を隠します。 そして、ハーシュホーンの作品のように、パフォーマンスで着用すること、または少なくともパフォーマンスのアイデアを示唆することを意図しています。
パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラックなどが新聞の切り抜きやその他の商物を彫刻、コラージュ、集合に取り入れ始めた20世紀初頭から、アーティストは作品に発見した素材を使用してきました。 洞窟はこの流れを続けており、最近ではビンテージクラフトアイテムが好まれています。
「これらは伝統的なアート素材ではなく、明らかにクラフト素材です」とハンキンズは言います。 「通常、アートギャラリーには大きなイースターバニーはありません。」
結局のところ、この特定の作品の扇動者として働いたのは、スケッチや青写真ではなく、イースターのウサギでした。 「私は子供の頃、7人の兄弟と一緒に育ち、イースターで服を着て、農場でこれらの驚くべき、とんでもないイースターの狩りをしている特定の時期について、この種の言及が大好きでした。あなたは本物であり、あなたはそれがあなたに言われたので、あなたは素敵で美しいと言いました。」
洞窟のプロセスは非常に直感的であり、バニーを彫刻の上部に配置することに決めた後、作品は本当に形になり始めたと彼は言います。 それが進むにつれて、重要な新しい層を集め、春と再生、アフリカの埋葬儀式、リズム、アイデンティティ、高低の芸術、色、動き、そしてもちろん音のアイデアを呼び起こしました。
Caveの手の中では、アイテムは、それらが本来のコンテキストから削除される可能性と同様に、彼らが引き出すノスタルジアのために高く評価されています。 美術館で小枝、ノイズメーカー、磁器の鳥の置物、イースターバニーを見ることは期待していませんが、視聴者はサウンドスーツの一部として提示されると、驚くべき方法で材料が揺れたり、揺れたり、揺れたり、かじったりすることを想像します。 これらのオブジェクトは、それ以外の場合は「低芸術」として投げ捨てられますが、まったく新しい感覚体験を生み出します。
ハーシュホーンのサウンドスーツは現在、博物館の40周年記念展「At the Hub of Things」に展示されています。 ハンキンスは、彼女と共同キュレーターのメリッサ・ホーは、ルーズなテーマを中心にさまざまな時代のアーティストをグループ化することでショーを開催することにしたと言います。 Soundsuitは、Christo、Claes Oldenberg、Isa Genzkenの作品とギャラリーを共有しています。 最も古い作品はロバートラウシェンベルクのダムで、1959年にケイブが生まれた年に作られました。
「もちろん、ラウシェンベルクは、芸術と人生のギャップを埋めたい、または両者の間に働きたいという話で有名でした」とハンキンスは言います。 「現在美術館が取り組んでいるものの1つは、パフォーマンスを文書化して記録する方法であると考えています。これは、定義上、一時的なイベントです。 ラウシェンバーグが芸術と日常生活の間のギャップを埋めたように、洞窟は静的オブジェクトとパフォーマンスの間のギャップを埋めます。
「通常、アートギャラリーには大きなイースターバニーはありません」と、ハーシュホーンのキュレーターの1人は言います。 （Nick Cave 2009 Soundsuit、ハーシュホーン博物館） ケーブの作品は、アート界にこの格差の再考を強いたために記憶されているかもしれませんが、彼の作品をとても魅力的にするのは、それが非常に多くの異なるテーマに触れていることです。 「コラージュや集団に語りかけ、パフォーマンスに語りかけ、真正性や独創性、芸術におけるアーティストの役割や独創性などのアイデアに語りかけることができます」とハンキンスは言います。 「そして、それが洞窟がとても尊敬されている理由の一つだと思います。作品は、特に私たちの作品の場合です。これらのさまざまなテーマと歴史があります。」
ケイヴは、彼の作品について活発な会話をしている視聴者をしばしば目撃したと言います。 これはまさに彼が目指している効果です。「視聴者に作品を見てもらい、複数のことについて話すことができます。 しかし、それは、オブジェクトについてのこの1つの考え方だけでは設定されません。 装飾的なオブジェクトとしてそれについて話すことができます。 私たちはそれを彫刻の形として語ることができます。 それを分解し、全体の中で個々の部分について話すことができます。 パターンについて話すことができます。 色について話すことができます。 リズム、音について話すことができます。 ですから、そのメッセージは本当に普遍的になります。」
Caveが最初の小枝を拾ってから20年以上が経った今でも、Soundsuitsの感情的な動機はこれまで以上に重要になっています。 アーティストは、現在デトロイトで開催されるショーのために、Trayvon Martinに関するシリーズに取り組んでいると言います。 彼はまた、ファーガソンやニューヨークなどの場所での人種プロファイリングの最近の事例にも対処する予定だと言います。
「この1年以内に発生したこれらの事件はすべてとんでもないことでした」とCave氏は言います。 「この時点で、私が残しているものに向かって取り組んでいます。 しかし、この仕事は決して終わらないと思います。」
博物館の3階で現在展示されているHirshhornの展覧会「物事のハブで：コレクションの新しい景色」で、 Nick Caveの Soundsuit 2009 を ご覧ください 。 このショーは、美術館の現代および現代美術の所蔵品に関する新鮮な視点を明らかにし、最近のギャラリーの改修を紹介しています。 間違いなく、スペンサー・フィンチ、ロバート・ゴーバー、ジャニス・コウネリス、ブルース・ナウマン、エルネスト・ネトによる大規模なインスタレーションと、ジャニーン・アントニ、アリゲイロ・エ・ボエティ、カイ・グオチャン、イサ・ゲンツケンによる大規模なインスタレーションが展示されています、アルフレッドジェンセン、ブライスマーデンなど。
