評論家のアダムゴプニックは、10月10日水曜日にスミソニアンアメリカンアートミュージアムで講演します。 写真提供：博物館
Adam GopnikはThe New Yorkerのスタッフライターです。 EB Whiteの壮大な伝統のエッセイストであるGopnikは、野球から芸術、政治に至るまで、研究されているが熱狂的なアマチュアの目をもたらします。 2000年に出版された彼の著書Paris to the Moonは 、 The New Yorkerの「Paris Journals」の執筆に費やした時間から生まれました。彼はエッセイで3つのNational Magazine Awardを受賞し、 Through the Children's門、天使と年齢：ダーウィン、リンカーン、現代の生活についての短い本とテーブルが最初に来る：フランス、家族、そして食物の意味 。
Gopnik、56歳はフィラデルフィアで生まれ、モントリオールで育ちました。 彼はマギル大学を卒業し、ニューヨーク大学美術学部で大学院課程を修了しました。 1990年に、彼は近代美術館の展示「High / Low」をキュレーションしました。
今週の水曜日、彼はアメリカ美術のクラリス・スミス特別講演シリーズの一部としてスミソニアン・アメリカ美術館で講演します。 ニューヨークのアパートの作家と電話で、アメリカの芸術、作家としての経歴、学校に戻る計画について話しました。
水曜日の講演の講義は「アメリカのアートをアメリカ人にするのは何ですか？」と題されています。
数年前、スミソニアンアメリカンアートミュージアムが再開されたときに基調講演を行い、アメリカのアートの概念を理解することの難しさについて話そうとしました。 言い換えれば、あなたは強い立場を取ることができます。 ニューズウィークのデイリービーストの美術評論家である弟のブレイクは、特別な資質を持つアメリカの芸術について話すのは一種の狭くて浅い悪徳主義であると主張しています。セラ、私たちは自分を欺いています。 芸術は本質的にコスモポリタンで国際的であり、国家の観点から見ようとする試みはその本質を裏切っています。
一方で、視覚芸術には特にアメリカの伝統があるという非常に強力な議論があります。 アメリカンビジョンのロバートヒューズがそのようなケースを作ったことを覚えているかもしれません。 どうしたらそれをどう考えたらいいのでしょうか、どう考えたらいいのでしょうか？ アメリカの芸術をそれ自体が主題として語るのは理にかなっていますか？
質問したいもう1つの質問は、ワシントンで最後に話して以来、この瞑想に追加した質問です。境界線を引く問題はどうですか。 長い間アメリカの芸術を見てきた人々に特有のことの1つは、アメリカの芸術とは何かを理解するために、家具のようなもの、シェーカーの椅子のようなもの、装飾芸術、漫画をより簡単に含めることです。 ニューヨークのメトロポリタン美術館などの美術館でアメリカの芸術の初期のコレクションを見ると、彼らは彼らが行っていなかった方法で、美術と装飾と応用芸術の間のそれらの線を非常に簡単に壊したことがわかります同時にヨーロッパの芸術のコレクションで。 それは元々、一種の縮小のジェスチャーとして行われました。 あなたはアメリカの芸術をより小さな親relativeのようなもの、まだ士官候補生であり、その途中にあるものとして見ることができます。 したがって、人類学的に見た目には無関係な多くの素材を含めることができます。 私たちは人類学的に見ていました。 それが持続するにつれて、別の一連の質問が発生します。 それは豊かですか？ それはずっと合法ですか？ それは、ヨーロッパの芸術のホールに一種の感染を許すようなモデルですか？ それは、リハーサルに加えて提起しようとする新しい質問です。なぜなら、それが古くなるとは思わないからです。アメリカの芸術について話すときの基本的な質問です。
これらの伝統的な国の線に沿って分割された芸術を考えないことは難しいです。
それはそれを見る自然な方法であり、それを見る正しい方法だと思います。 私たちはアメリカの芸術の連続性について話すことができると思います。フランスの芸術の本当の連続性について、または英語の芸術において神が私たちを助けてくれます。 しかし、それらは自明ではなく、透明ではありません。
トランペッター・スワン、ジョン・ジェームス・オーデュボン、1838年。
それでは、アメリカの芸術を定義するものは何ですか？
私が最後の講義に与えたタイトルは、2つの極の観点からでした：「過剰なレーダーと明るい長方形のぼかし」。一方で、過剰なラーダーがあり、この豊かな感覚があります。 オーデュボンの作品で最もよく例証されています。 Audubonの目的を考えてみると、まったく新しいものでした。 彼は北米のすべての鳥とすべての4本足の獣の写真を撮ろうとしていました。 彼は完全に雑食で民主的であり、順序付けもありませんでした、「これらは高貴な獣と鳥であり、これらはより少ない獣と鳥です。」それは一度にすべてです。 完全な在庫の包含、検査、その感覚は非常にアメリカのアイデアです。 明らかな方法で、それはオーデュボンからアンディ・ウォーホルのような人に直接走ります。アンディ・ウォーホルは、その中に階層のない経験の全体に対する、雑食的で民主的なホイットマンのような食欲です。 それが、ウォーホルにとって、エルビスとマリリンが神聖な人物であるというよりも神聖な人物である理由です。
それに対して、あなたは私が呼ぶもの、明るい長方形のぼかしを持っています。 それは、1920年代の伝道師から来ました。彼は、神があなたにどのように見えるかを尋ねたとき、「輝かしい横長のぼけのように」と言ったことがあります。それは、超越的経験、精神的経験、宗教的経験が利用できるという感覚です。 WHオーデンはかつて、正しいギミックを見つけると、30分で新しいエルサレムを建てることができるというアメリカ人の最も深い信念だと言いました。 それは、その超越的で強力な、崇高な経験が、尋ねるためにそこにあるという感覚です。 あなたは19世紀の風景のようなものに光を見つけ、それはマーク・ロスコとバーネット・ニューマン、そして1940年代と50年代の崇高な抽象画家に至っています。 彼らはあなたに見せていることは痛みではなく、楽園、またはそれの何らかのバージョンだと思います。 それはアメリカの芸術でも非常に強力な伝統です。
ニューヨーク・タイムズの書評で「近年のフランスの最高の本」と呼ばれるパリ・トゥ・ザ・ムーンは、パリの生活のすばらしい現実を詳しく説明しています。
あなたの作品は、ポストモダンの世界における近代性への憧れに関するものだとおっしゃっていました。 あなたの作品がこのアメリカの芸術の軌跡にどのように適合するのか疑問に思っていましたか？
言った？ それは少しいっぱいですよね？ 私はそれが本当だと思います、それが尊敬に値するようであれば私は謝罪します。 私がそれを言ったとき、そして私がそうしたと確信しているとき、私がそれが意味したことは、私が大事にし、愛する芸術と文明は現代性のそれだということです。 それは本質的に楽観的で、前向きで、何らかの形で皮肉なやり方ですが、ある意味では、パリと1910年のキュービストまたは1947年のポロックと抽象的な表現主義者の自信のある世界です。悲劇ですが、彼らは芸術の未来を信じていました。 彼らは明快なコミュニケーションの可能性を信じていました。 彼らは創造性の可能性を信じていました。 私たちはポストモダニズムの時代に生きており、そのようなもの自体-明快さと創造性-はすべて本質的な疑念に投げ込まれています。 その意味で、それはポストモダン時代のモダニズムへの憧れの中で私が意味したことです。
私自身の作品に関しては、 The New Yorkerのために書いた素晴らしい特権の1つであると思いますが、それはある意味、私がたまたま持っている感性の延長でもあります。さまざまな種類のもの。 私はこの専門性が嫌いです。 私は多くの異なる種類の経験を欲しています。 専門家や学者とは対照的にエッセイストであることの喜びの1つは、さまざまな種類のことについて書くことができることです。 それで 、機関としてのニューヨーカーがアメリカ特有の存在であることは偶然ではありません。 フランスのニューヨーカーはいません。イギリスのニューヨーカーもいません。なぜなら、多くの異なることについて専門知識を持たずに権威を持って書くことができるという考え方に依存しているからです。 アマチュア愛好家のその考えは、ある種の雑食性のアメリカの伝統の非常に多くの部分であるものです。
美術史の研究は、これらすべてのトピックを検討するのにどのように役立ちましたか？
私はちょうど1週間前にモントリオールへの感傷的な旅に戻って、マギル大学に行きました。そこで、美術史の学部での仕事をしました。 現在は、コミュニケーションや視覚的な履歴、または非常にポストモダンで最新のようなものです。 彼らはまだ美術史を教えていると思いますが、このはるかに広い人類学的な文脈の中でそれを教えています。 要点は、この素晴らしい心理学の教授であり、それが私が始めたものです。美術史に入るのか、心理学に留まるのかがわからず、あなたが持っている自己重要性に苦しんでいました22時、彼は私を落ち着かせ、彼は言った、これは重要な決定ではない。 重要な決定は、美術史、心理学、または歯科に行くかどうかです。 それはあなたの人生を大きく変えることになるので重要な決定ですが、本当に難しいように思える決定は、あなたが両側で言われるべきことを持っていることを意味するので、それほど難しくありません。 美術史よりも心理学に目を向けていれば、おそらくそれほど違いはなかっただろう。
見る習慣と描写する習慣は、現在のように芸術史上は衰退していると思いますが、私が懸念している限り、それはその中心であり、すべての偉大な芸術です歴史家はそうしました）私はそれが作家になりたい人にとって非常に役立つ基盤だと思います。 実際、私はさらに進んで、実際には創造的な文章よりも優れた基盤であるとさえ言います。なぜなら、芸術作品のように複雑で多面的で非言語的なものに立ち向かい、言語を見つけようとするからです。メタファー、想起、コンテキスト、そして歴史的な配置は、いくつかの点で、どんな作家でも持つことができる最も難しい挑戦です。
私は完全に同意し、それを研究して、あなたが博士号を修了しなかったことを知っているけれども、あなたが美術史の背景を持っていたことを聞いて心から喜んでいた。 ニューヨーク大学でのプログラム。
私はしませんでした、私はABD（All-But-Dissertation）です。私はその年を推測します…私は1984年に私の口頭をしました、それであなたはそれを理解することができますが、それはほぼ30年です。 いつかやるよ。 私は5人の兄弟姉妹のうち、博士号を取得していない唯一の人です。 いつか戻ってそれを手に入れます。 70年代および80年代に美術史を研究していたとき、それはまだ昔ながらの規律でした。 あなたはほとんどアーカイブ研究を行い、ほとんどの教授は図像学を行いました。写真の右隅にある小さな犬が何を意味するのかをパズルで解いただけです。 今、もちろん、それは完全に革命と近代化を遂げており、私がその一部であったときにひどく風変わりなように思われた古いアーカイブ、図像の伝統を長く望んでいると思います。
視覚芸術については定期的に書くことはありませんが、何かが私を刺激するときは、視覚芸術について頻繁に書くようにします。 しかし、感傷的な瞬間を許せば、素晴らしい美術館に足を踏み入れて、あなたが美しいものに近づいていることに気づくほどの興奮のラッシュはないと感じています。
