ウィレム・デ・クーニングはまだ眩しい| 芸術と文化| スミソニアン - 記事、芸術と文化、芸術と芸術家

1926年、オランダの無一文の22歳の商業アーティストであるウィレムデクーニングは、アメリカ行きの貨物船に積み込まれました。彼には論文がなく、英語も話せませんでした。彼の船がバージニア州のニューポートニューズにドッキングした後、彼は何人かのオランダ人の友人とニューヨーク市に向かって北に進んだ。最初、彼は彼の新しい世界に失望を感じました。「私が見たものは一種のオランダでした」と彼は1960年代に思い出しました。「低地。しかし、数日後、デクーニングがニュージャージー州ホーボーケンのフェリーと電車のターミナルを通過すると、カウンターでコーヒーを注いでいる人に気づいた。カップのラインに。「何がこぼれたとしても、彼はすぐにそれを埋めるために注ぎました、そして、私は「少年、それはアメリカです」と言いました。」

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ウィレム・デ・クーニングの作品は、1957年にルースのゾーウィが描いたものであり 、絶え間ない再発明に頼っています。「変わらなければならない」と、アーティストはしばしば「変わらない」と言いました。（オビッツ・ファミリー・コレクション、ロサンゼルス©2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society（ARS）、ニューヨーク）

1950年代および60年代に登場したアーティストの中で、ここで1953年に示されたde Kooningは分類を無視しました。（トニーヴァカロ/ akg-images）

マンハッタンでは、1937年にアーシールゴーリキーと共演したデクーニングは、モダニズムの画家たちに引き付けられました。（オリバー・ベイカー、写真家。ルディ・ブレッシュの論文、アーミーズ・オブ・アメリカン・アート、スミソニアン協会）

1940年代までに、デクーニングは1943年に結婚したイレイン・フリードに一部インスパイアされた一連の女性像の研究を始めました。（ジョンジョナスグルーエン/ハルトンアーカイブ/ゲッティイメージズ）

第二次世界大戦後、de Kooningの前衛的なサークルは有名人の地位に近づきました。写真はLifeの 1950年のグループです。 de Kooningは一番後ろの列にいます。（ニーナリーン/タイムライフピクチャーズ/ゲッティイメージズ）

図形要素は、1949年のアッティカの曖昧な空間を区切っています。1つは、戦後の白黒のドクーニングの一連の作品の1つです。芸術家の最も抽象的な作品でさえ、学者のリチャード・シフは、しばしば「人間像に言及して始まった」と言う。（ニューヨーク市メトロポリタン美術館/©2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society（ARS）、ニューヨーク）

美術界が彼の抽象化を祝福したとしても、ド・クーニングは女性像に彼のエネルギーを再集中させ、1950-52年に女性Iに 2年間働きました。「美しさ」とアーティストは言った、「私にとっては不愉快になります。グロテスクが好きです。もっと楽しいです。」（ニューヨーク近代美術館/©2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society（ARS）、ニューヨーク）

デ・クーニングの晩年の作品は、海からインスピレーションを得ました。ここに示されているのは、1972年のClamdiggerで、浜辺を狙う人々を連想させます。（©Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp-Photo：CNAC / MNAM Dist。RMN-Droitsrésrvés;（c）2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society（ARS）、ニューヨーク）

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それもde Kooningでした。 1940年代後半から50年代初期にニューヨークに現れた画家のうち、ジャクソン・ポロック、マーク・ロスコ、バーネット・ニューマンなど、1997年に亡くなったド・クーニングは、最も捕らえるのが困難です。、ジャジー、失礼、特定の1つのカップに収まることは予測できません。彼は多くの芸術の境界線を越え、50年にわたって抽象と形象の間にこだわって、さまざまなムードを表現しながら、保守的または過激な趣味の慣習を気にしませんでした。戦後のアメリカ美術の発展を記録した美術史家のアーヴィング・サンドラーによると、デ・クーニングは「西洋絵画の壮大な伝統を継続し、それを新しい方向にそらすことができ、前衛的なスタイルを作り出した」私たちの時代に語った。」

先月近代美術館（MoMA）で開かれたde Kooningの回顧展は、アーティストの7年間のキャリアの全範囲を対象としたもので、偉大なアメリカの画家の豊かで微妙な見方を示しています。ショーを企画したキュレーターのジョン・エルダーフィールド名誉にとって、その努力は非常に個人的なものでした。デ・クーニングの芸術の魅力は、イギリス生まれのエルダーフィールドがアメリカに定住するのを助けました。彼は、de Kooningは、曖昧さの1つである新しい種類の現代の絵画空間を発明した独創性のある画家であると主張します。デ・クーニングは、伝統的な人物画の彫刻的輪郭と「膨らみ、ねじれた」平面の両方、 およびピカソやブラックなどのキュービズムの作品に見られるモダニズム芸術の浅い絵の平面の両方を保持しようとした。デ・クーニングは、この視覚的な問題に対するいくつかの異なる解決策を開発し、移動や探索をやめることのないアーティストになりました。彼は、彼自身の不可解な言い回しで、「滑りの垣間見る人」でした。

50年代に、デクーニングは当時最も影響力のある画家になりました。「彼は芸術家の芸術家でした」と、デ・クーニングの作品の最大のコレクションの1つであるスミソニアンのハーシュホーン博物館の館長、リチャード・コシャレクは言います。「彼は非常に幅広いアーティストに多大な影響を与えました。」2006年のMoMAの回顧展の主題であった画家であるブライス・マーデンは、次のように同意します。彼はマスターでした。多くの人にとって、彼はポロックと一緒にグリニッジビレッジのシーダータバーンで飲酒し、恋愛から恋愛へと移行したため、映画スターのルックスと実存するスワッグのロマンチックな人物でもありました。

彼の成功にもかかわらず、デ・クーニングは最終的に、現在の傾向に従うことを嫌がる代償を払った。彼の絶え間なく変化する芸術、特に女性の騒々しい描写は、彼の生涯の間に批評家や美術史家によってますます軽視されました。エルダーフィールドは、「ますます洗練された抽象化のなじみのあるモダニズムの歴史を維持するために考えられた作品に簡単にフィットする」ことを提案しなかった。MoMAのキュレーター自身は、1950年以降のデ・クーニングを衰退した画家と見なす傾向があった。自身のコレクションは、ド・クーニングよりもポロック、ロスコ、ニューマンでかなり強い。

口論は終わりました：現在の回顧展は修正を行います。 De Kooningの範囲は強さのように見え、彼の魅惑的なスタイル-「魅惑的」は適切な言葉です。彼のブラシストロークはタッチに満ちているため、現代の芸術ではめったに見られない絵画的な喜びを提供します。

デ・クーニングは、港の近くで厳しい労働者階級のロッテルダムで育ちました。彼は父親のレンデルト（両親が小さな男の子のとき離婚した）と、連続したバーを手がけた横暴な母親のコーネリアを見ることはめったになかった。彼女は定期的に彼をbeatった。お金が足りなかった。 12歳で、彼は、デザインと装飾に特化したファッショナブルなロッテルダムの中心にある芸術家と職人のエレガントな会社であるギディング・アンド・サンズの見習いになりました。彼はすぐに会社の所有者の目に留まり、市のアカデミーオブファインアーツで週6晩働いた後、授業を受けるように促しました。

その結果、デ・クーニングは商業デザインとハイアートの古典的原理の両方で強力な基礎を受けました。彼は早熟だった。 MoMAの回顧展には、13歳でアカデミーで制作した注目すべきStill Life （1917年）が含まれています。しかし、彼は自分自身を支えなければなりませんでした。 16歳のときに、デ・クーニングは独力で三振を行い、ロッテルダムの自由hem放な端を巡り、あちこちで仕事を見つけました。彼はまた、アメリカについて空想を抱き始め、その後、ヨーロッパの多くの人々から、超高層ビル、映画スター、簡単なお金の神話上の土地と見なされましたが、おそらく芸術ではありません。ド・クーニングが後に思い出したように、彼が貨物船に積み込んだとき、彼はアメリカに真面目なアーティストがいるとは思わなかった。

アメリカでの最初の数年間、最初はニュージャージー州ホーボーケン、そしてニューヨークで、彼はロッテルダムと同じように暮らし、商業アーティストとして仕事を見つけ、時には余暇に絵を描きました。実際、アメリカには真面目な芸術家がいて、その多くは生き残るために商業的な仕事もしていることがわかった。彼は、チェルシーとグリニッジビレッジの好むコーヒーショップで時間を過ごし始め、ニッケルカップのコーヒーを飲みながら夜を明かしました。彼が知っていたほとんどの人は貧しかった。絵画の販売はまれでした。この環境では、特定の芸術家の永続的なコミットメント-何よりも、Arshile Gorkyのモダニズム絵画の伝統への献身が-De Kooningに顕著な影響を与えました。

アルメニア生まれの移民であるゴーリキーは、芸術に無頓着にコミットしなかった人たちに忍耐を持っていませんでした。アメリカの田舎をロマンチックにしたり社会的不正を攻撃したりした人のように、彼が野心で地方や未成年とみなした人たちのための時間もなかった。（「プロレタリアートアート」、ゴーリキーは「貧しい人々にとっては貧しいアートです。」）ゴーリキーの見解では、真面目であれば、ピカソ、マティス、ミロなどのモダニズムの巨匠の作品を研究し、成果。同時代の人々は、ユニオンスクエアにあるゴーリキーのスタジオを一種の芸術の神殿だと説明しました。「36ユニオンスクエアの大興奮」とGorky'sの学生であり友人であるエセルシュワバッハーは次のように語っています。「そこで行われた仕事、進行中の仕事、昼夜を問わず、長年にわたる情熱的で、努力。"

ゴーリキーの例は、大恐duringの際にアーティストに生計を立てる連邦芸術プロジェクトの創設とともに、最終的にデ・クーニングをフルタイムのアーティストになることを約束させました。 30年代、ゴーリキーとデクーニングは分離不可能になりました。芸術についての継続的な議論は、それぞれが主要な画家へと発展するのを助けました。ド・クーニング、新鮮な種類の比art的なアートを作成するのに苦労し、しばしば青く塗られた、男性の憂鬱な肖像画、そしてあまり頻繁ではないが女性。彼は彼の古典的な訓練を彼のモダニズムの信念と調和させようとして、写真を作り直しました。彼は慢性的に現金が不足していたので、友人がそれを買った場合、彼の写真が彼のスタジオを離れることを許可するかもしれないが、彼は嫌悪感で彼のキャンバスのほとんどを捨てた。

30年代後半、de Kooningは、Elaine Friedという名前の若い美術学生と出会いました。彼らは1943年に結婚しました。フリードは美しいだけでなく、彼女の活力がドクーニングの保護区に匹敵しました。贅沢を決してエビにしないでください、彼女は言うのが好きでした、必需品は彼ら自身の世話をします。彼女の友人の一人であるアーティストのヘッダ・スターンは、彼女を「デアデビル」と表現しました。「彼女は後悔することなくジェスチャーを信じており、自分の自発性と活気を喜んでいます」とスターンは言いました。「私はとても楽しかったです」と、エレインは後に思い出します。「つまり、とても楽しい。」彼女はまた、De Kooningがメジャーアーティストになることを考えました。

女性の姿の新鮮な感覚は、間違いなくエレインに触発され、デ・クーニングの芸術を通して歩み始めました。色が明るくなりました。境界が崩れた。彼はもはや彼の古典的な訓練に拘束されているようには見えなかった。絵画の女性たちは今、脱出してバラバラになると脅した。地面からフィギュアを区別することは、場所によっては困難になりました。アーティストは彼のあいまいな空間をマスターし始めていました。本能的に静止よりも動きを好み、表面の外観だけに像の真実があるとは思わなかったデ・クーニングが、表象から抽象へと連続的に移行し始めることは自然に思えた。しかし、デ・クーニングの学者リチャード・シフが観察したように、彼の最も抽象的な写真でさえ、「人間像への言及から始まったか、途中で組み込まれた図形要素のいずれか」でした。

40代後半のデ・クーニングの人物像の非現実的な描写への動きは、一部には、パリの著名な芸術家、特にアンドレ・ブルトンと彼のサークルの10年前に都市に到着したことによって引き起こされた可能性があります超現実主義者、戦争からのすべての難民。デ・クーニングは一般的にシュルレアリスムのファンではありませんでしたが、無意識の心、夢、内なる生活に重点を置いたムーブメントは、世界の純粋に現実的な描写に対する彼の焦りを強めたでしょう。シュルレアリスムと彼らのパトロンである社交家ペギー・グッゲンハイムは、ニューヨークで大きな注目を集めました。彼らの存在は、アメリカのアーティストの野心を刺激しました。

それでも、デ・クーニングは引き続き利益を上げました。連邦芸術プロジェクトはもはや存在せず、現代アメリカの芸術の市場はほとんど、あるいはまったくありませんでした。 de Kooningが彼の一連の黒と白の抽象化を始めたのは、この暗い時期でした。彼と彼の親友である画家フランツ・クラインは、高価な顔料を買うことができず、有名なある日出かけて安価な黒と白のエナメルの家庭用塗料を購入し、（伝説によると）悪魔のような世話をする放棄によって主要な作品を作り始めました。もちろん、それほど単純ではありませんでした。デ・クーニングはこの瞬間に到達するために長年努力してきました。そして、ある意味で、ある瞬間、彼を見つけました。第二次世界大戦の恐怖と、ヨーロッパからやってくるホロコーストの記述は、デ・クーニングといくつかのアメリカの芸術家の間で、偉大な、しかし恐ろしい形而上学的スケールの新しい認識を生み出しました。（彼らは目の前に、1937年のピカソの単色の強力なゲルマニカ、MoMAで、スペインの都市のファシスト爆撃に対する彼の反応もありました。）彼らのヨーロッパの同時代人とは対照的に、アメリカ人は戦争の廃amongの中に住んでいませんでしたホイットマネスクの無限を祝う文化から来ました。戦争中に生まれた都市が瓦intoに打ち砕かれたデ・クーニングは、ヨーロッパ人とアメリカ人の両方であり、暗い壮大な絵を描くのに適した位置にいました。 1948年、彼が44歳に達したとき、彼はいわゆる「黒と白」を小さくて訪問の少ないイーガンギャラリーに展示しました。彼の最初の個展でした。売れた写真はほとんどありませんでしたが、アーティストや批評家に広く知られ、賞賛されていました。

ジャクソン・ポロックが伝説的な「ドリップ」抽象化を作り始めたのは1940年代後半で、それを彼のスタジオの床に描き、キャンバスにリズミカルなかせを織りました。同じく主に白黒のポロックの絵画は、デ・クーニングのものとは非常に異なる性格を持っていました。一般的に抽象的ではありますが、de Kooningの節のある写真は、一見しただけの人間の部分とジェスチャーでいっぱいでした。ポロックは世界からの解放の超越感覚を伝えました。 de Kooningの白黒シリーズ、 AtticとExcavationの2つの最高の写真のタイトルは、アーティストが世界が埋めたり忘れたりすることを忘れないことを示唆しています。（De Kooningは、タイトルの変化する意味を疑いなく享受しました。たとえば、屋根裏部屋は、実際の屋根裏部屋を参照したり、天国の高さを示唆したり、古代ギリシャを思い出したりできます。）そこに腰の腫れがありますが、特定の体はどちらにも識別できません。「抽象的な形でさえ、似ている必要があります」とデ・クーニングは言いました。

De Kooningは、1950年にシリーズの最後で最大の写真であるExcavationを完成させました。MoMAのディレクターであるAlfred Barrは、ベニスビエンナーレで米国を代表するポロック、ゴーリキー、ジョンマリンの作品とともに絵画を選択しました。 —4人のアメリカ人モダニスト全員にとって名誉ある名誉です。ジャーナリストは注意を払い始めました。ポロックは、1949年にLife誌に掲載された写真の主題でした。有名人の光は、アメリカ文化のあいまいなコーナーに焦点を当て始めていました。ヨーロッパの巨匠に特化したシドニージャニスギャラリーは、ピッソやモンドリアンの後継として、クーニングや他のアメリカ人アーティストを売り込み始めました。批評家、キュレーター、アートディーラーは、アートが関係する場所ではニューヨークが新しいパリであると主張し始めました。

50年代前半までに、De Kooningは一流の抽象的なスタイルで有名になりつつある画家でした。彼の同時代人のほとんどは、彼がそのスタイルで絵を描き続けると信じていました。しかし、アメリカの芸術の歴史の中で最も反対で独立した行動の1つで、彼は白黒の抽象化をあきらめ、主に再び女性像に焦点を当てました。彼はほぼ2年間、1つのキャンバスで苦労しました。彼の友人は、イメージを絶えず修正し、削ぎ落とすにつれて、彼の幸福をますます心配しました。彼はついに絶望の中で絵を脇に置いた。スタジオ訪問中にそれを見るように頼んだ影響力のある美術史家のマイヤー・シャピロの介入のみが、デ・クーニングにもう一度キャンバスを攻撃するよう説得し、彼は女性I （1950-52）を完成させたと結論付けた。その後、急速に連続して、彼はさらにいくつかの女性の絵を完成させました。

デ・クーニングは、女Iを「メソポタミアの偶像のような」にやにや笑いの女神と表現し、「いつも笑顔で空を見上げているように、まっすぐに立ち、自然の力に驚いたように...」彼の女神は複雑でした。一度に恐ろしく、陽気で、古くて現代的です。一部の批評家は、彼らをハリウッドのビンボに例えました。他の人たちは彼らを女嫌いの仕事だと考えていました。デ・クーニングの友人である彫刻家イサム・ノグチは、彼らの曖昧さを認識しました：「彼は本当に女性を憎んでいるのだろうか」と彼は言った。「恐らく彼はそれらを愛しすぎているのでしょう。」複雑さの多くは、下品さと揮発性の混合物であり、de Kooningの筆致の洗練から来ています。「美」とデ・クーニングはかつて言いました。私はグロテスクが好きです。もっと楽しいです。」

当然のことながら、デ・クーニングは1953年の彼の最近の作品のショーが成功することを疑い、当時の主要な美術評論家であるクレメント・グリーンバーグは、デ・クーニングが女性シリーズで間違った方向に進んだと考えました。デクーニングの驚いたことに、多くのアーティストの間だけでなく、アメリカの絵画を受け入れようとする人々の間でショーは成功しました。

デ・クーニングは突然、自分自身をスターに見つけました。おそらく間違いなく、現代アメリカの芸術界で最初の有名人です。 50代前半の同程度またはそれ以上の身長を持つ唯一の画家は、ジャクソンポロックでした。しかし、ポロックはその後高度なアルコール依存症に陥り、主にスプリングス（ロングアイランドのイーストハンプトン近くの集落）に住んでおり、マンハッタンではめったに見られませんでした。したがって、スポットライトは活気のあるシーンの中心となったデ・クーニングに焦点を当てました。多くの人が、彼のオランダ人の船乗りのルックス、独特の壊れた英語、魅力的なアクセントで、彼を魅力的に感じました。彼はアメリカのスラングが大好きでした。彼は写真を「素晴らしい」または友人を「ホットポテト」と呼びます。

この温室の世界では、デクーニングは、エレインと同様に、多くの絡み合った恋愛関係を持ちました。（彼らは1950年代に離婚したが、離婚したことはない。）デ・クーニングと商業アーティストのジョーン・ウォードとの関係は、1956年に彼がいつも献身していた彼の唯一の子供、リサを生んだ。毎日の父の。彼はまた、ポロックのガールフレンドであり、1956年にポロックを殺した自動車事故を生き延びたルース・クリグマンと長い付き合いがあった。クリグマンは、重要な画家のミューズになることを切望していた野心的なアーティストであり、エリザベス・テイラーやソフィア・ローレンなどの星を呼び起こした蒸し暑い若い女性でもありました。「彼女は本当に鉛筆に鉛を入れました」とデ・クーニングは有名に言いました。

女性シリーズに続いて、de Kooningは一連の抽象化（最もよく知られているのはイースターの月曜日 ）を開発しました。 50年代後半、彼はブラシストロークを単純化しました。さて、ペイントの長く広いスワスがキャンバス全体に広がり始めました。彼は、彼の友人の多くが夏の場所を持っていたスプリングスでますます多くの時間を過ごしていました。 50年代後半の写真は、しばしば比fig的な要素を含んでいる一方で、田舎の光と色を暗示しています。 ルースのゾーウィー （1957）には、一種の宣言的なエランと自信があります。（Kligmanはde Kooningのスタジオに入ったときにタイトルを提供し、写真を見て、「Zowie！」と叫びました） 1959年、アートの世界はギャラリーのオープニングを、彼のハイウェイシリーズと呼ばれることもある大規模で大胆にストロークされた風景から奪いました。

デ・クーニングは、有名人として完全に快適であったことはありませんでした。彼は常に、ロッテルダムの貧しい少年の一部でした。（彼が女性IIを買ったばかりのジョンD.ロックフェラーIII夫人に紹介されたとき、彼は裾を伸ばして、「あなたは百万ドルのように見えます！」）。 1950年代の終わり頃の成功のピークで、デクーニングは大酒飲みであり、一度に1週間以上消えることもありました。

50年代には、多くの若いアーティストがde Kooningを模倣していました。批評家は彼らを「第二世代」の画家、つまりデ・クーニングのような先駆者の信奉者と呼んでいました。しかし、60年代には、アンディウォーホルやドナルドジャッドなどのポップアーティストやミニマルアーティストが、ドクーニングの豊かな感性とは異質なクールで知識のある皮肉をアートにもたらしたため、アートの世界は急速に変化しました。これらの若いアーティストは「第二世代」になりたくありませんでした。そして、彼らは古い画家の作品を、あまりにも面倒で、個人的で、ヨーロッパ人、またはデ・クーニングが言うように、古い帽子として却下し始めました。

1963年、デ・クーニングが60歳に近づいたとき、彼はジョアン・ウォードとその娘と共にニューヨーク市を離れてスプリングスに向かった。ロングアイランドでの彼の人生は困難でした。彼は憂鬱に与えられ、彼は歴史によって残された画家のように扱われることにresしました。彼はまだ定期的なベンダーに行きましたが、サウサンプトン病院への入院で時々終了しました。しかし、彼の芸術は驚くべき新しい方法で発展し続けました。

デ・クーニングはロングアイランドの田舎に身を浸しました。彼は大きな、風変わりなスタジオを作り、それを船に例えました。そして、彼は、砂の道を自転車で走りながら、スプリングスの周りの馴染みのある人物になりました。 60年代の彼の比work的な作品はしばしば邪魔でした。女Iに見られる似顔絵とグロテスクに対する彼の好みは、 The Visit （1966-67）のような性的にチャージされた作品でも見られました。彼のより抽象的な写真では、女性の身体と風景は、ゆるくて水っぽい絵の具で融合するようになりました。

デ・クーニングはまた、非常に触覚的な比fig的な彫刻を作り始めました。Clamdigger （1972）は、原始的な滲出液から引き出されたように見えました。「 水に書かれた名前 （1975）」などの後に続く絵画は、触覚に劣らず、同じように濁っていませんでした。水、光、反射、ペイント、身体感覚のEとした噴火-おそらく、彼の人生の最後の偉大な愛であるエミリー・キルゴアに対するド・クーニングの情熱の反映かもしれません-絵画はアメリカの芸術では他に類を見ません。それでも、1970年代後半、de Kooningは突然シリーズを終了しました。彼によると、写真はあまりにも簡単に来ていたという。

de Kooningが初めて認知症の兆候を示し始めたのは、1970年代後半でした。このときに彼の人生に戻ってきた彼の妻、エレインは、注意深く彼を監視し始めました。ますます、80年代が身に着けていたように、彼は彼のキャンバスを動かし、彼のペンキを広げるためにアシスタントに頼るだろう。一部の批評家は、この期間のますますスペアの絵画を軽disしています。しかし、エルダーフィールドは、後期スタイルを尊重しています。後期の作品の中で、de Kooningは彼の手を追いかけているようです。「その後、人生には時間があります」と彼は1960年にニューヨーク市にうんざりして言った。「ただ歩くだけで、自分の風景の中を歩く」。

デ・クーニングは、1997年3月19日にロングアイランドのスタジオで92歳で亡くなりました。彼は長年の生活の中で、ヨーロッパとアメリカ、古いマスターとモダニスト、都市と国を行き来しながら、長距離を旅しました。デ・クーニングの芸術は、画家のロバート・ダッシュは「いつもさよならを言っているようだ」と語った。デ・クーニング自身は、「変わらずにいなければならない」と言っていた。

マーク・スティーブンスは、妻のアナリン・スワンとともに、ピューリッツァー賞を受賞したデ・クーニングの共同著者です。