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絵画の死は、写真の出現が画家の手から現実を奪うように見えた19世紀半ばに初めて予測されました。 1859年にフランスの詩人で美術評論家のシャルルボードレールは、「写真がその機能の一部で芸術に代わることを許可された場合、すぐに完全に取って代わるか、破損するでしょう」と書いています。アーティストはそれ以来、写真の意味合いを受け入れようとしています。

モネやルノワールなどの印象派は、写真の静的で機械的なイメージや時代の古い学術絵画を拒否し、目が自然の中で光と雰囲気をどのように知覚するかについての独自の印象を描き始めました。 DegasやToulouse-Lautrecを含む同時代人の一部は、異なるタックを取りました。彼らはインスピレーションのために写真を使い始めました。たとえば、カメラのように画像をトリミングし、カメラのレンズに基づいて遠近感の歪みを導入しました。

その後、100年前、マティスとピカソは、現代美術の新しい時代を定義する過激な絵画を作りました。マティスは1907年に膨らんだブルーヌードで姿を損ない、写真から絵を描き、想像力を解き放ち、人生から引き出された習慣を打ち破りました。ピカソはまた、写真を使用して1907年のアヴィニョンのレ・ドモワゼルを描きました。それぞれの人物は、同時に異なる角度から見た多重露出のように見え、キュービズムへの決定的なステップです。

20世紀が進むにつれて、ワシリーカンディンスキーやジャクソンポロックなどの画家は、表現という芸術の概念を完全に放棄し、認識可能なオブジェクトをまったく含まないキャンバスを作成しました。「抽象」作品では、塗料自体が主題になりました。 1960年代には、1920年代のマルセルデュシャンや他のダダイストから着想を得たコンセプチュアルアーティストは、芸術は目ではなく心に目を向けるべきであるという見解を採用し、作品自体よりも作品の背後にあるアイデアがより重要な絵画を生み出しました。ポップアート、フォトリアリズム、デビッド・ホックニーなどのアーティストなど、いくつかの明らかな例外を除き、表象的または比fig的なアートは、20世紀の終わりまでに過去のものと見なされていました。しかし、近年では、多くの現代の画家が現代美術のルーツに戻って新しい表現方法を見つけ始めています。彼らは、人間の姿と他の認識可能な形を、これまでに見られなかった方法で抽象化と曖昧な物語の要素と混ぜています。

「今の私の職業の興奮は途方もないものです」とニューヨーク近代美術館の絵画とドローイングのキュレーターであるヨアヒム・ピサロは言います。「30年前、絵画の終わりについてのこのような話がありました。今日、誰もそれを気にしません。」若い世代にとって、「20世紀の後半に存在していた抽象化と表象の二極化はまったく意味がありません。現在見ているものは非常に興味深いものです。そしてまったく新しいものです。」

ブルックリンからトリニダード、ドイツのライプツィヒに散らばるこれらのページに登場するアーティストは、「絵画に対する信念」を更新している、とニューヨーク市の現代美術館の上級キュレーターであるローラ・ホプトマンは言います。

ピーター・ドイグ

「1980年代後半に人々が私の作品に興味を持ち始めたとき、絵は完全に議題から外れました」と、トリニダードに住む49歳のスコット、ピーター・ドイグは言います。「ギャラリーが最先端と見なしたものはすべて概念的なものでした。絵画についての絵画、その作り方について語ったアート。私は意図的にそれに反対しました。私にとって、あなたが画家になれば、あなたは常に見ることを強いられます絵画の潜在的な主題としての世界。そしてそれは、通りで何かを見ることから、映画、雑誌で何かを見ることに至るまで、本当にすべてです。」

ドニグのスタジオは、トリニダードの首都ポートオブスペインにある改装されたラム酒蒸留所にあり、ジャングルのような風景、ペンキ塗りの川、あいまいな人物を描いた大きなキャンバスでいっぱいです。 2003年に彼がロンドンを離れてトリニダードに移動したとき、彼の友人の多くは、1891年にタヒチに移動して自然と一体化したフランスの芸術家ポールゴーギャンにちなんで「ゴーギャンをしている」と呼びました。ドイグのスタイルはゴーギャンのスタイルと比較されることもありますが、絵画に対する彼のアプローチはまったく異なります。彼の方法は、しばしば写真から始まる一種の情報処理にかかっている、と彼は言う。なぜなら、写真からの絵画は、彼を現実または真実から遠ざけるからだ。「なぜ絵画は真実でなければならないのですか？」彼は尋ねます。

ドイグは、インドの川の風景を描いたロンドンのジャンクショップで買った古い絵葉書からいくつかの絵を描きました。「自然から直接絵を描くとき、私はそれを正しくしようとするのに夢中になりすぎます。写真やハガキを使うと、私は自分が望むものを取り、残りを省くことができます。私は写真を作りましたはがきの小さな教祖の写真を撮り、それを爆破してぼやけた塊にしたので、そこから絵を描きました。彼はある種のひげを生やした、神秘的で黒い何かになりました。彼が宗教的な人物なのか、それとも狂信者なのかはわからないが、彼には何か霊的なものがある。」

彼は、ヤシの木に登り、幹を抱き締め、ブラシストローク、滴り、ひび割れの抽象的な隙間から覗き込むスケッチ図の9 x 12フィートのキャンバスを指しています。「これらのしずくとひび割れは、絵画における独特の美しいものです」と彼は言います。「あなたはチャンスをつかみ、彼らはあなたに与えられますが、私は彼らがマンネリズムやギミックになることを嫌います。」しかし、この絵が博物館の2006年のビエンナーレで上映されたとき、ほとんどがSITEサンタフェディレクターのローラヘオンを襲ったのです。「ある意味、それはヒューマニズムへの回帰だ」と彼女は言う。「人間の写真を撮ることには非常に寛大なものがあります。」

Doigの作品の主要な回顧展は、2月にロンドンのTate Modernで開かれます。

ダナ・シュッツ

ダナ・シュッツの絵画では、偽物と本物を区別するのは困難です。「自分のイメージが構築されていることは知っていますが、絵を描いているときは信じています」と彼女はブルックリンのアーティストの協同組合になった古い工業ビルのスタジオで言います。 30歳のシュッツは、フィギュアを作成し、一連の絵画のさまざまなシナリオに入れて、自分の人生を引き継ぐようにしています。そのようなシリーズの1つは、彼女が「自食器」と呼ぶ数字です。自分の体の一部を食べてから、自分自身を再構築することによって生き残る人々の単純な形です。幻想的なイメージと、彼女が彼女の「外向的な色」（ホットピンクとレッド、エレクトリックパープル、ジャングルグリーン）と呼ぶ絵画は、新しい表現主義として賞賛されており、社会的な病気の観点から簡単に解釈できます。食欲不振モデルを貪欲な消費者に、あるいはアーティストの精神を垣間見るように。しかし、シュッツは同意しません。

「私は表現主義者ではない」と彼女は抗議する。「これらの絵は、私が感じていることをまったく表していない。」彼女は、「食べる人は絵のような解決策だ。あなたはそれらを分解して、再び組み立てることができる。まるで物質になったようだ」と彼女は言う。

しかし、シュッツは彼女の絵が時々彼女がインターネットで見たり、当時考えていたことに触発されたと言っています。「これらの絵画は、一般の想像力のどこかで始まります。人々は、整形手術や生産と消費、自分自身の代替履歴を作成する方法など、その物語を知ることができると感じています」と彼女は言います。「アートができる最も過激なことは、だれかがなじみのない経験を誰かに与えることだと感じています。」

シュッツにとって、抽象絵画と比ur絵画の間に強い境界線はありません。「それらが別のものであるとは思わない。」運転中の男女の1つの新しい絵画では、車の中の人物はまるでプラスチックのように見え、まるで熱いハワイの風景の中に溶け込んでいるかのようです。「私がそれらについて考えている方法は、将来、あなたが私たちを振り返った場合、どのような機能がわずかに歪んだまたは一般化された方法で残るでしょうか？」と彼女は言います。

「たぶん、私たちは数字を再考しているのでしょう」と彼女は続けます。「絵画についての絵画を作るのはおかしく聞こえます。それについてはすべて絵画について話します。アーティストは今、意味を作り、効果を持ちたいと思っています。それは20世紀とは大きく異なります。」

シュッツの作品の展示会は、ドイツのベルリンにある現代美術ギャラリーで11月に開催されます。

ネオ・ラウフ

ライプツィヒでは、47歳のドイツ人アーティスト、ネオラウフが、冷戦後の画家の世代に、現実とファンタジー、普通と奇妙を混ぜた曖昧な絵画に影響を与えています。東ブロック漫画と商業芸術のグラフィックスタイル、共産主義の東ドイツの社会的リアリズム、彼自身の夢のイメージと彼の都市景観の要素を利用して、ラウチはプロパガンダポスターに見られるような人物を描きますが、彼が言うには、「紛らわしいほどにもっともらしい」シーンである。

ラウチは、彼の絵を、個人的な図像が隠されたall話であると説明しています。彼は最近、ニューヨークのメトロポリタン美術館のインタビュアーに、画家としての彼の決定が理性に反するかもしれないと語った。しかし、彼が絵画に含めるものには独自の現実がある、と彼は言う。なぜなら、「解釈に対するすべての欲求にもかかわらず、絵画は、言語化できないものを明白な構造に置く特権を保持すべきだから」。ラウチは、絵を描くプロセスを、認識可能なものと不可解なもののバランスをとる闘争として説明しています。「私にとって、彼は「絵は他の手段で夢を続けることを意味する」と言った。

Rauchの作品の展示は現在、ニューヨーク市のメトロポリタン美術館で展示されています（10月14日まで）。

バーナビー・ファーナス

バーナビー・ファーナスは、コロンビア大学の美術学校を卒業したダナ・シュッツの仲間のように、ブルックリンの改装された工業用ロフトにスタジオを設立しました。 19世紀後半のフランスの歴史画に触発された彼の絵画は、比elements的な要素と、グラフィティや抽象表現主義から派生したテクニックを組み合わせています。

「都心部のフィラデルフィアで育ったティーンエイジャーとして、私は最初にグラフィティ作家でした」と彼は言います。「あらゆる種類のトラブルに巻き込まれ、逮捕されましたが、美術の授業には常に片足がありました。」最終的に、友人の父親は彼をニューヨーク市のいくつかのアートギャラリーに連れて行きました。「それこそが、アートの世界が存在することを知っていた唯一の方法です」と彼は言います。

34歳のファーナスは、ジャクソン・ポロックがしたように、キャンバスを床に平らに塗ります。しかし、ポロックのように油絵の具を滴下する代わりに、水をベースにした水たまりを作り、それを重ねて形を作ります。南北戦争についてのシリーズで、彼は赤いアクリル絵の具で注射器を満たし、それをキャンバスの上に吹き付けて血を表現しました。「油は、私が絵の具を使うのに間に合うように乾かないでしょう」と彼は言います。「地面に平らで、水たまりで。その多くは落書きに帰ります。落書きについて好きなことの1つは、意図的にたとえば、カウンタートップクリーナーなどのエアゾールからスプレー缶のキャップを外して、ペンキのスプレー缶に置いて、ノズルとはまったく異なる効果を得ることができます。イーゼルやブラシです。スプレー缶のキャップのコレクションはたくさんあります。油彩画家の一部がブラシを持っていると思います。私の作品には、ハードウェア店のものとアートストアのものの意図的な混合物があります。」

コロンビアの美術学校で、ファーナスは「概念的でポストモダンな芸術家、ほとんど画家ではない」と言った古い世代の教師に反抗していることに気づきました。彼は絵画を、流行から外れた自己表現の行為とみなしました。彼はまた、学者が解釈する必要なく、視聴者が自分の作品にアクセスできることを望んでいました。「私はこれらの黒いスーツを着た人々が私の仕事について話すことを望まなかった」と彼は言う。「仲介者はいりませんでした。」彼は「モダニズムの種に戻る」ことを決め、「クールベとジェリコーとマネに、19世紀後半のフランスの歴史絵画に戻ることを決めました。私はこのジャンルを再調査し、別の方法でそれに到達することができました。だから私はこのようなモダニストの古着屋の買い物客になった！」

ファーナスの作品の展示は、ロンドンのスチュアートシェーブ/モダンアートギャラリーで春に予定されています。

キャサリン・リー

22歳のキャサリン・リーのサンタフェ大学でアーティストのスタジオになった古い軍隊の兵舎で、22歳の彼女の有線世代はどのようにアートを見るのだろうか。「最近、私たちは非常に多くのインスタントビジュアルメッセージを読みます」と彼女は言います。「コマーシャルのように、それを読んで手に入れてください。私は絵画がコマーシャルの休憩よりも長く面白くなりたいと思っています。「それを手に入れる」というアイデアから来ています。広告に慣れている人は、絵画に見られるものを他の人が事前に考えてほしいと思っています。しかし、広告は非常に良い仕事をしているので、新しい戦略を見つけなければならないかもしれません。」

リーのスタジオの壁には、遠くの光のある不思議な、ほとんど黒い風景がピン留めされています。 19世紀の風景のムーディーな雰囲気と深みがありますが、リーはグラファイト、オイル、スプレーペイントの缶の混合物を使用していくつかの写真からそれを描きました。暗い葉はジャングルまたは森林を示唆し、その中に赤い傘のように見えるものがあります。しかし、人はいません。彼女が望んでいるのは、シーンについて何も知ることが難しいことです。「森の中の傘は何かが起こっていることを示唆している」と彼女は言う。「すべてが潜在的なコンテンツとして機能するという考えが好きです。それを作成するとき、それがそれ自身の意味を作ることを知っているので、私は本当にそれが何を意味するのか考えません。」

彼女が無題の愛と呼ぶロマンチックなカップルの油とグラファイトの画像のように、彼女が人物を描くとき、リーは絵を見る人と同じくらい興味を持って欲しいです。「それはまさに比fig的な絵画ではありません」と彼女は言います。「本当にこれらの人々に関するものではないからです。私が絵画を始めたとき、それはまさに図にすぎませんでしたが、すぐに平坦になりすぎました。私は本当にイライラし、破壊されましたブラシを使って、すべてを激しくぼかすだけです。すべてをこの程度まで抽象化することで、絵画が開かれ、明示的に説明するのではなく、多くの潜在的なコンテンツが得られます。」

キャサリン・リーの絵画は、5月にサンタフェ大学の美術ギャラリーで開催される論文ショーで展示されます。

エリザベス・ニール

コロンビア大学の芸術学部を最近卒業した32歳のエリザベス・ニールは、抽象と表現を融合させた現代絵画についての新たな興奮に作品を加えている画家です。彼女のブルックリンのスタジオでは、キャンバスはデ・クーニングを連想させる大きな抽象的なブラシストロークで覆われていますが、マティスなどの画家が想像したような人物の姿を取り入れています。ニールは、彼女自身の感性は、広告やテレビから映画、ビデオ、インターネットに至るまで、彼女の周りの画像の洪水によって形作られていると言います。「私たちは生まれたときからほとんど画像の消費者です」と彼女は言い、彼女は今、アートはその環境に対処しなければならないと考えています。

20世紀の比paint的な画家アリスニールの孫娘であるエリザベスは、絵を始める前にインターネットで画像を探すことがよくあります。彼女は写真をキャンバスに投影しませんが、使用したい画像のスケッチを作成します。時々、彼女は、絵を描くことの純粋に正式な側面、たとえば筆の大きさなどが、写真に対する興味を変え、新しい画像やアイデアを求めてインターネットに送り返すかもしれないと言います。「絵画には素晴らしい二重性があると思う。それは自分自身についてであり、世界についてでありうる」と彼女は言う。

イギリスのコレクター、チャールズ・サーチは、ニールの絵画をいくつか購入し、ロンドンのギャラリーで開催中の一連の展覧会「絵画の勝利」にそれらのいくつかを含めています。ニールは、2008年春にニューヨーク市のDeitch Projectsで個展を開催します。彼女の作品はDeitch Projects Webサイトで見ることができます。

作家で画家のポール・トラヒトはニューメキシコに住んでいます。 ダダイストに関する彼の記事は、2006年5月のスミソニアンに掲載されました 。