日本が正式に1850年代に西洋との取引を開始することを決定してからまもなく、写真も島国にやってきました。 どちらも近代性の新しい時代を示しています。
帝国主義者、農地主義者、孤立主義者から、よりポピュリスト、グローバル、アーバンへと進化した日本の魂を理解し描写する探求は、ワシントンDCのスミソニアンのフリーアギャラリーとサックラーギャラリーで行われている2つの展示のテーマです「Japan Modern：Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection」と「Japan Modern：Prints in the Age of Photography」は多くを共有している、とプリントショーのキュレーターであるFrank Feltensは語っています。
どちらも時系列ではありませんが、どちらも共通のテーマで画像をグループ化し、都市と国が支配しています。 写真ショーは非常にドキュメンタリーです。 多くは白黒です。 木彫りのブロックで作られたプリントは、大胆で視覚的でカラフルです。 しかし、フェルテンズは、「2つのショーの間に、ますます共通点を見つけ始める」と言います。それは、表面、角度、断片への関心です。
アーティストは「外の世界を眺めているが、一度、レンズ、そして木ブロックを通してそれを再考している」とフェルテンズは言う。
西洋の世界でそうであったように、写真は大きな影を落とします。 木版画は、少なくとも千年の間、主に文化に関する何かを伝える手段として、つまり物語を伝えるために存在していました。 19世紀後半までに、版画は死にました。これは、簡単で安価な写真の犠牲者です。
日本で最初に撮影された写真は1848年のものです、とフェルテンスは言います。 ダゲロタイプは日本やヨーロッパやアメリカで人気がありましたが、写真ショーのキュレーターであるキャロル・フーは、コダックのベストポケットカメラのようなポータブル機器の登場により、1920年代に写真が大流行しました。 アコーデオンスタイルのレンズが引き出された現代のカメラとほぼ同じサイズのベストポケットは、1912年から1926年の間に作られ、日本で非常に人気を博し、カメラクラブや別su学校の写真を生み出しました。スタイル。
この写真ショーは、2018年5月にアメリカのグラフィティとインディ・ジョーンズと運命の神殿で最も有名な日本の熱狂的ファンであり脚本家であるグロリア・カッツとウィラード・ハイクが収集した約400枚の写真の一部の部分的な贈り物によって可能になりました。 コレクションの大部分は、カリフォルニア州ブレントウッドの自宅の壁に飾られていました。 Huhは、日本の写真の軌跡に影響を与えたアーティストに焦点を合わせて、20人のアーティストから80枚のプリントを選択しました。
Simmon：A Private Landscape（＃1）、 by Hosoe Eikoh、1971（Freer | Sackler、Purchase and partial gift from Gloria Katz and Willard Huyck） 
深瀬正久によるカラス（カラス）シリーズの青函フェリー、 1976年（Freer | Sackler、Gloria KatzおよびWillard Huyckからの購入および一部プレゼント） 
神奈川県横須賀、東松To明、1959（Freer | Sackler、Purchase and partial gift from Gloria Katz and Willard Huyck） 
渋谷公園通り、シリーズカラス（レイヴン）、深瀬正久作、1982年（Freer | Sackler、購入、グロリア・カッツとウィラード・ヒュイックからの部分的贈り物） 
鹿児島県と宮崎県の高千穂火山のピーク、浜屋宏、1964年（フリーア|サックラー、グロリア・カッツとウィラード・ヒュイックからの購入と部分的贈り物） 
カマイタチ＃8、細江栄公著、1965（Freer | Sackler、Purchase and partial gift from Gloria Katz and Willard Huyck） 
新潟県の伝統的な美濃橋のレインコートを着た男、浜屋宏、1956（Freer | Sackler、Gloria KatzとWillard Huyckからの購入と部分的な贈り物） 
上田商事の「砂の上の妻」 、ca。 1950（Freer | Sackler、購入、およびGloria KatzとWillard Huyckからの部分的贈り物） 
ぼくと猫（猫と私）、上田商事、ca。 1950（Freer | Sackler、購入、およびGloria KatzとWillard Huyckからの部分的贈り物） 
Evening View、森山大道、1977（Freer | Sackler、購入およびGloria KatzおよびWillard Huyckからの部分的ギフト） 1920年代と1930年代のプリントを含む最初のギャラリーは、日本の写真家がヨーロッパの同時代人、特にソフトフォーカスの写真家から非常に強い影響を受けた様子を示しています。 「私たちは、写真を表現の媒体、つまりアート媒体として、またより近代的な美学への移行として肯定するようなピークを迎えています」とフーは言います。 初期の写真は、都市と国を記録しました。運河です。 風になびく小麦。 この移行は、石川昇の1930年代の明暗の研究であるBarn Roofで見られます。これは、霧の多い背景を持つキューポラの断片に焦点を当てています。
山の午後 、塩谷貞子による1931年のゼラチンシルバープリントは、抽象絵画かもしれません。 孤独な小さなスキーヤーは、写真の下半分を切り裂き、同じように灰色の空からそれを分割する、鋭角の灰色の斜面を上って戦います。 帝子は、日本の西海岸の鳥取県で主に撮影し、その巨大な砂丘と山から作成しました。 「景観は、これらの形式の研究の機会になります」とフーは言います。
テイコは、不自然に曲がったオブジェクトの気まぐれなプリントも撮影しました。これは、学生の植田正治の作品で明らかになったシュールレアリズムの前兆です。 ショウジの1950年の「マイワイフオンザデューンズ 」では、着物を着た配偶者が膝を切り、右手前から見つめています。 彼女の右側には、ビジネススーツを着た3人の男性が立ち、それぞれの背後に大きな影が迫っているさまざまな方向を向いています。 シュールなように、古代の遺産と現代のイメージが共存する日本を描いています。
多くの写真は、特に日本が内向きに見え、第二次世界大戦の荒廃の現実に直面し、国がどのように再建して再構築するかについて、その相互作用を調べています。
日本は、原爆の怒りをこれまで経験した唯一の国です。 このショーは、アメリカ人が1945年8月9日午前11時2分に20万人の町に爆弾を落とした長崎に触れています。日本は長崎と広島の両方の余波で写真を禁止しましたが、約16年後の1961年に原子爆弾に対する日本評議会は、都市の回復を文書化するように松松明明に依頼した。 「当時、多くの日本人が実際にそこで起こったことを見なかったことは珍しくありませんでした」とフーは言います。 それには、松明も含まれていました。 彼は長崎の織物を掘り下げ、現在の生活、爆弾の生存者、現在の原爆資料館でのオブジェクトを撮影しました。
そのうちの1つは、シンプルな背景で撮影されました。腕時計は11:02に停止しました。 爆発によって歪められたボトルは、不穏な人間の形になります。 「それは死体のように見えます」とフーは言います。 Sho明の本11:02長崎は、その恐ろしい出来事の個人的な推測と重要な文書です。
彼はまた、1952年に正式に終結したアメリカ人の戦後の日本占領に取りつかれ、その写真を撮りました。しかし、その影響は持続していました。 画像の多くは、写真家の好奇心と、自分たちの国に自分自身を挿入したこれらの外国人に対する落胆を示しています。 このショーには、東京のアメリカ軍の居住区であるワシントンハイツでの山村画Gasの1959-62シリーズのプリントが含まれています。 1つでは、いたずらっぽい黒と白の子供たちのグループがチェーンリンクフェンスを押します。 ガショウは文字通り「東京の真ん中にあるこの奇妙な移植片を垣間見る」とフーは言う。
ショーは、36歳の芸術家である西野壮平によるモダニズムのコラージュである2009年の東京ジオラママップで終わります。 彼は通りを眺めながら東京を歩き、日本で最初に測定された地図を作成した19世紀後半の同様のプロジェクトを繰り返しました。 hei平は、コンタクトシートから小さなプリントを切り取り、横に並べてから、最終プリントのために再度写真を撮りました。 「それらをまとめる行為は、その旅を思い出すことです」とフーは言います。
写真撮影前、このタイプの東京のマッピングは、木版印刷によってそれほど壮大ではなかったでしょう。 しかし、写真の人気の高まりに直面して、印刷業者はその関連性を証明するのに苦労しました。 1870年代には早くも、彼らは彼らの働き方を変え始めました。 1873年に行われた明るい多色刷りの新橋駅は、新しいスタイルの例であり、レンガ造りの建物と横浜駅の外で遊んでいる列車を誇示しました。
数字と建物の比率は正確で、写真の遠近感があります、とフェルテンスは言います。 しかし、派手な色は「はっきりと写真ではない」ものでした。これは、当時は白黒に限定されていた媒体と競合する試みです。
しかし、その努力は惨めに失敗し、版画は消えてしまいました。 1920年代に、2つの新しい運動が版画を蘇らせようとしました。 「新しい版画」の学校では、出版社は、完全に現代と古代の日本を提示する理想化された写真のビューを、似たような感傷的な肖像画を提供する木版画で引き寄せる西洋人を誘惑できると考えました。
1926年の新大橋はこれを試みます。 鉄道橋の鉄の架台で反射するガス灯のちらつきのある夜景です。 一方、伝統的な麦わら帽子をかぶった男性が人力車を引っ張り、着物を着た女性が大きなパラソルを握って彼の後ろに立っています。 それは、写真を撮る（夜には写真を撮ることができなかった）ことと、外国人を満足させることの両方に対する裸の入札でした。 「これらの種類のプリントは、今日でも日本人に販売されていませんでした」とフェルテンズは言います。 また、収集するアート作品としても作成されました。これは、プリントの新しい方向性です。
1930年代に、「創造的な」運動が始まりました。 日本のプリントメーカーは、クリエーターの天才が見えるというアイデアを西洋美術から吸収していました。 そのため、版画家は作品に署名（多くの場合英語）と版数を追加し始めました。 これらはもはや印刷作業に仕事を引き継いだ彫刻家の軍隊の生産ではありませんでした。
プリンターはまだ木材ブロックを使用していましたが、ますます洗練された方法で使用されていました。 色は重要な機能でした。 そして、視点はまだ非常に写真的でした。
伊藤真水の1938年 箱根展望台からの富士山は、写真の視点と感触の傑作です。 唯一わかるのは、ブルー、ホワイト、ブラウンの範囲です。
ショーの38枚の版画の多くは、芸術性の深さにおいて驚くべきものであり、フェルテンスが望んでいた点です。 「私たちは色と色合いの幅、そしてこの創造性の爆発が起こっていることを見せたかった」と、特に1930年代以降、と彼は言います。 「これらの人々は、創造性の観点から、限界を知りませんでした」とフェルテンズは言います。
写真展のように、版画は芸術家が「日本に対する分析的な視線」を持っていたことを示しています、とフェルテンスは言います。 しかし、写真家とは異なり、印刷メーカーは第二次世界大戦に関する直接的または間接的な政治的解説や観察に関与しませんでした。
しかし、その戦争にはつながりがあります、とフェルテンスは言います。 Freer | Sacklerにかなりの数の版画を貸し出したKen Hitchを含む多くの印刷コレクターは、アメリカの占領下で日本に住んでいました。
フェルテンズは、版画家と写真家の両方が日本の美術品として認められるのに苦労したと言います。 皮肉なことに、写真によってほとんど消滅した版画は、真の芸術形態として最初に認識されたと彼は言います。
キャロル・フーがキュレーションした 「Japan Modern：Photography from Gloria Katz and Willard Huyck Collection」 、および フランク・フェルテンズがキュレーションした 「Japan Modern：Prints in the Age of Photography」 は、スミソニアンのフリーアとサックラーのギャラリーで展示されていますワシントンDC、2019年1月24日まで。
